Historia de los Instrumentos Electrónicos

Para los q no la conocen (por ej. yo), vamos a compartir la historia de la Musica Electronica.

Comenzamos...

130 AÑOS DE MUSICA ELECTRONICA

Los instrumentos musicales electrónicos se definen como instrumentos que sintetizan sonidos de una fuente electrónica. Esta definición deja fuera una gran parte de los instrumentos electrónicos híbridos desarrollados a finales de siglo pasado que la electrónica usaba para manipular o para amplificar sonidos.

ORIGENES

Los orígenes de la música electrónica se pueden remontar al trabajo analítico de Hermann Ludwig Ferdinand von Helmholtz (1821-1894) físico y matemático alemán, autor de la obra "DEL TONO: Base psicológica para la teoría de la música "(1860). Helmholtz construyó un instrumento electrónicamente controlado para analizar combinaciones de tonos, el "resonador de Helmholtz", con los dientes del metal electromagnético que vibraban y las esferas de resonancia del cristal o del metal, la máquina se utilizaba para analizar los tonos constitutivos que crean sonidos naturales complejos. Helmholtz se centró solamente en el análisis científico del sonido y no tenía ningún interés en usos musicales directos, las ideas musicales teóricas fueron proporcionadas por el compositor italiano Ferruccio Busoni.

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JM

1870-1915: Experimentos tempranos

Los primeros instrumentos electrónicos construidos desde 1870 a 1915 utilizaron una variedad de técnicas para generar el sonido: la rueda del tono (usada en el Telharmonium y el Choralcello) era un disco de metal que rotaba en un campo magnético causando variaciones en una señal eléctrica, una chispa electrónica causaba fluctuaciones directas en el aire (usado únicamente en el "Arco del Cantar" de Duddell en 1899). Elisha Gray creó "el telégrafo musical", un efecto de la tecnología del teléfono.

"Dynamophone/Telharmonium" De Thaddeus Cahill (1897)

El "Telharmonium" o "Dynamophone", ideado por Thaddeus Cahill, puede considerarse el primer instrumento musical electrónico significativo. El primer modelo completamente terminado fue presentado al público en 1906 en Holyoke.
El Telharmonium era esencialmente una grupo de 145 dinamos modificados que empleaban un número de ejes especialmente engranados y de inductores asociados para producir las corrientes alternas de diversas frecuencias de audio. Estas señales estaban controladas por un sistema múltiple de teclados sensibles polifónicos y por bancos asociados de controles.

En los primeros modelos, el sonido que resultaba era audible a través de los cuernos acústicos del piano. Los últimos modelos fueron conectados directamente a la red de teléfono (era la única manera de amplificar el sonido en la era del preamplificador). El Telharmonium suministró de 1 amperio a cada receptor del teléfono. Podía oirse la música sin el receptor del teléfono al oído, sin embargo esto también enmascaraba e interrumpía cualquier otra señal en la línea. El instrumento se tocaba a cuatro manos y reproducía generalmente la música "respetable" de la época: Bach, Chopin, Grieg, Rossinni, etc.

El Telharmonium era una estructura inmensa de aproximadamente 200 toneladas de peso y 60 pies de largo. El monstruoso instrumento ocupó un piso entero en la calle 39 de Broadway, Nueva York, durante 20 años.
A pesar de las excesivas proporciones del Telharmonium, el sonido que producía era flexible e inusualmente, el instrumento era transportable (se utilizaron 30 vagones de ferrocarril para transportarlo desde Holyoke a Nueva York). Era un instrumento musicalmente avanzado a su época pero muy impopular entre los músicos, que tenían poco tiempo para practicar en un teclado tan inusual. Este factor ayudó a que el instrumento acabara muriendo.
Cahill terminó el tercer y último Telharmonium en marzo de 1911. Esta máquina era incluso más grande y más costosa que su predecesora. El tercer Telharmonium tenía un sistema entero de los alternadores reajustados (de mayor alcance que los anteriores), imanes más fuertes para reducir el retumbo, y controles de volumen bajos. El instrumento fue instalado en el número 535 de la calle 56 de Nueva York.
Cahill y la "Nueva Inglaterra Electric Music Company" financiaron un plan para transmitir el Thelarmonium que usaba el Dynamophone a los hoteles, restaurantes, teatros y hogares a través de la red de teléfono. Esta búsqueda del visionario falló cuando los gastos de establecimiento llegaron a ser prohibitivos y fue descubierto que la máquina interfería seriamente con llamadas telefónicas locales. El último Telharmonium funcionó hasta 1916 y sobrevivió al desplome de Wall Street y a la Primera Guerra Mundial, pero murió con el "boom" de la radiodifusión. A pesar de su muerte, el Telharmonium impulsó el nacimiento de la música electrónica. El compositor italiano Ferruccio Busoni inspirado por la máquina escribió su "Bosquejo de una nueva estética de la música" (1907) que se convirtió en la llamada y la inspiración para la nueva generación de compositores electrónicos tales como Edgard Varèse y Luigi Rusolo.

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JM

bien ahi con este thread... en teoriaa,va a ser larguisimo, pero mejor no importa.. ahora, el que no lo sigue despues se va a querer matar porque ni en pedo te pones a leer todo.
Che, si no te molesta una sugerencia... hacé los textos mas sintacticos asi atraen mas a la lectura.. sino es muy largo y no muchos lo van a leer... a mi me ree interesa, pero no se si a todos les va a pasar lo mismo...
cuando pueda, hago un aporte... no veo la hora de llegar a Bob Moog jejejeje

Historia de la Musica Electronica, por Fabian Kesler.

http://escuelasonica.com.ar/podcast.html

Instrumentos Electronicos, 1870-1990

http://www.obsolete.com/120_years/

saludos

Te agadezco la sugerencia, la voy a tener muy en cuenta.

Ahh...
Para Moog falta un rato todavia.

Saludos
JM

Organo eléctrico de Choralcello (1888-1908)

El Choralcello ("voces divinas") era un instrumento electrónico y electro-acústico híbrido, fue diseñado y desarrollado por Melvin Severy con la ayuda de su hermanastro George B. Sinclair. La máquina fue fabricada en Boston como órgano casero y fue presentado al público en 1909. Por lo menos seis de los instrumentos fueron vendidos y continuaron siendo utilizados hasta los años 50.

El Choralcello era un contemporáneo directo del Telharmonium; aunque no era tan grande, seguía siendo un instrumento enorme que usaba una sistema electromagnético similar al del sonido de la rueda del tono del Telaharmonium. El Choralcello consistía en dos teclados, el superior (del piano) que tenía 64 llaves y el inferior con 88 (piano y órgano), controlando 88 ruedas del tono y un sistema de las secuencias del piano que vibraban gracias a unos electroimanes y un sistema de martillos. Los teclados también tenían un sistema de paradas al estilo del órgano para controlar el timbre y tono.
El Choralcello también incorporó un mecanismo de rodillo de papel al estilo del de la pianola y un sistema de tablero de pedal de 32 notas. La máquina entera podía ocupar dos sótanos de una casa; los teclados y los altavoces eran las únicas piezas visibles del instrumento.

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JM

perdon, puedo meter mi granito de arena?
bueh, como dijeron que si, ahi va

con ustedes... el THEREMIN!

¿Instrumento musical? Aparato electronico? el invento de un loco? quien sabe... La cuestion es que Leon Theremin, ruso, invento esta cosa rarisima e inclasificable, alla por 1917.
Y que tenia de particular? bueno, principalmente, generaba sonido sin ser tocado! Si, asi como se lee, crease o no, el Theremin respondia a los movimientos del cuerpo, variando la frecuencia de dos onda de sonido analogas, produciendo asi un muy variado rango de sonido monotonal, pudiendo modificar el tono, el vibrato, etc. Tiene una antena donde uno mueve una mano entorno a esta, modificando el tono, y un aro de metal donde uno movia la mano y podia controlar el volumen. En un modelo previo, el volumen se controlaba con un pedal.
El sonido del Theremin se hizo inmensamente popular en el cine y television norteamericanas de clase B, en la decada del 40, 50 y 60. Basta con recordar el zumbeante "uuuuuuu" que tenian las naves espaciales y los fantasmas de esas peliculas. Bueno, eso es obra del Theremin. Se ha usado tambien en discos de rock ( recordar el final de Good Vibrations, de los Beach Boys, por ejemplo). Sin embargo, el aparato perdio gracia rapidamente: era muy complicado hacer algo mas que ruido con el, y muy pocas personas sabian como operarlo correctamente para lograr musica. PEro sin embargo, quedo en la historia como el primer instrumento enteramente eléctronico.

Bien!!!

Vale el aporte.

Saludos
JM

Guillermo Du Bois Duddell y "cantar Arc"(1899)

Antes de que Thomas Alva Edison inventara la iluminación eléctrica de calle, la iluminación con arco de carbón se extendía por toda Europa. El problema con este método de iluminación, aparte de la matidez de la luz y del uso insuficiente de la electricidad, era el ruido constante del tarareo del arco. Designaron al físico británico Guillermo Duddell para solucionar el problema en Londres en 1899 y durante sus experimentos encontró que variando el voltaje provisto a las lámparas se podían crear frecuencias audibles controlables.

Uniendo un teclado a las lámparas de arco Duddell creó el primer instrumento electrónico que era audible sin usar el sistema de teléfono como amplificador/altavoz.
Duddell viajó por el país con su invención que desafortunadamente nunca se convirtió en más que una novedad. Las capacidades audio de la lámpara de arco de carbón también fueron utilizadas por Thadeus Cahill durante sus demostraciones públicas de su Telharmonium diez años más tarde.

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JM

Elisha Gray y "El Telégrafo musical" (1876)

Elisha Gray (Barnesville, Ohio, 1835 - Newtonville, Massachusetts, 1901) habría sido conocido por todo el mundo como el inventor del teléfono si Alexander Graham Bell no hubiera llegado una hora antes a la oficina de patentes. En su lugar, entró en la historia como el creador accidental de uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, el telégrafo musical.

Gray descubrió que podría controlar el sonido que vibraba en el circuito electromagnético y al intentarlo inventó accidentalmente un oscilador básico. El "telégrafo musical" utilizaba cañas de acero para que las oscilaciones fueran creadas y transmitidas sobre una línea telefónica a través de los electroimanes. Gray también construyó un dispositivo simple de altavoz en sus últimos modelos, que consistía en un diafragma que vibraba en un campo magnético para hacer el oscilador audible.
Después de muchos años de pleito, A. G. Bell fue nombrado legalmente el inventor del teléfono, y en 1872 Gray fundó la Western Electric Manufacturing Company, firma padre de los actuales Western Electric Company. Dos años más tarde se retiró para continuar la investigación independiente y enseñar sus conocimientos en la universidad de Oberlin.
El primer telégrafo musical de Elisha Gray tenía bastantes osciladores de un solo tono para tocar dos octavas, y modelos más nuevos fueron equipados de un control simple de la rueda del tono. Alexander Graham Bell también diseñó una "arpa eléctrica experimental" para la transmisión del speach sobre una línea telefónica usando tecnología similar a la usada por Gray.

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JM

1915-1960: La era del tubo de vacío

El ingeniero y prolífico inventor norteamericano Lee De Forest patentó el primer tubo de vacío o "el triodo" en 1906, un refinamiento de la válvula electrónica de John A. Fleming. El uso principal del tubo de vacío estaba en la tecnología de radio pero De Forest descubrió que era posible producir sonidos audibles por un proceso conocido como vigésimo siglo de heterodyning. El efecto de Heterodyning es creado por dos ondas acústicas altas de frecuencia similar pero que varían, se combinan y crean una frecuencia audible más baja, igual a la diferencia entre las dos radiofrecuencias (aproximadamente de 20 hertzios a 20.000 hertzios). De Forest en 1915 creó el "piano del audión". Otros instrumentos que explotaron el tubo de vacío fueron el "Theremin" (1917), "Ondes Martenot" (1928), el "Sphäraphon" (1921), y el "Pianorad" (1926).

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JM

"El Audión piano" de Lee De Forest

Lee De Forest inventó la válvula electrónica de triodo o "la válvula audión" en 1906, un desarrollo mucho más sensible que la válvula de diodo de John A. Fleming. El uso inmediato de la válvula del triodo de De Forest estaba en la tecnología de radio de la cual De Forest era un tenaz promotor. De Forest también descubrió que la válvula era capaz de crear frecuencias de audio usando la técnica de la frecuencia heterodyning/beat (combinar dos señales de alta frecuencia para crear una frecuencia compuesta más baja dentro de la gama audible).

"El Audión piano" (1915) de De Forest fue el primer instrumento del tubo de vacío. Era un instrumento simple de teclado, pero era el primero en utilizar el sistema heterodyning. De Forest utilizó una sola válvula de triodo por octava que estaban controladas por un sistema de llaves. La salida del instrumento era enviada a un sistema de altavoces que se podían colocar alrededor de un cuarto para dar al sonido un efecto dimensional. De Forest planeó una versión más avanzada del instrumento con válvulas separadas por llaves permitiendo la polifonía.

JM

El Ondes-Martenot (1928)

El Ondes-Martenot, inventado en 1928 por el francés Maurice Martenot, era bastante parecido al Theremin, ya que utilizaba los mismos circuitos básicos para generar el sonido y podía producir ruidos parecidos. Por contra, su extraña apariencia barroca (una especie de clavicordio acoplado a tres armarios) contradecía el hecho de que tocarlo resultase muy fácil. Además del teclado "estilo piano", el Ondes-Martenot contaba igualmente con un controlador de cinta que servía para imitar la forma de tocar el Theremin. Esto último permitía obtener a la vez melodías precisas y barridos de cambios de tono. Los tres armarios eran un altavoz, un resonador de cuerdas (similar al cuerpo de una guitarra acústica) y un resonador tipo gong. Cada una de las unidades imprimía un timbre característico al sonido, que también podía modificarse con los controles incorporados al teclado. En definitiva, el Ondes-Martenot fue un instrumento mucho más versátil que el Theremin, cuya limitación se establecía en un sólo sonido.

Mientras que el Theremin se escucha con especial preponderancia en las composiciones de música pop y en bandas sonoras de hoy en día, el Ondes-Martenot sigue estando conceptuado como un instrumento orquestal.

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JM

El Electrophon, el Sphäraphon, el Partiturophon y el Kaleidophon

El Electrophon (1921)
La gama de instrumentos electrónicos Sphäraphon fue desarrollada en Berlín de 1921 a 1928 por el músico Jörg Mager específicamente para la música microtonal. El instrumento inicial, "el Electrophon", construido con la ayuda de la compañía electrónica Lorenz, era un instrumento basado en el generador heterodyning. El Electrophon estaba controlado por una manija que el músico movía a través de un dial semicircular que creaba un efecto continuo del glissando y no tenía ningún control manual del teclado.

JM

Kurbel-sphäraphon
El Kurbelsphäraphon era un Electrophon mejorado con filtros que mejoraban el timbre y evitaban el glissando continuo. Tenía dos manijas y un pedal doble de pie para controlar el volumen. El Kurbel-Sphäraphon fue terminado en 1923 y presentado en el festival de Donaueschingen en 1926 donde fue ignorado por todo el mundo. El compositor Georgy Rimsky-Korsakov (nieto del célebre compositor ruso) compuso algunos piezas experimentales para el instrumento.

El Partiturophon
El "Partiturophon" tenía cuatro (en modelos más últimos, cinco) teclados. Este instrumento permitía al intérprete tocar cuatro (o cinco) voces simultáneamente, una voz por teclado.

JM

El Kaleidophon
El "Kaleidophon" fue terminado en 1939 y aunque su historia está bastante indocumentada se describe como "un instrumento monofónico electrónico con mezclas".
Los instrumentos de Mager fueron utilizados principalmente en producciones de teatro en Alemania; no se sabe sin embargo si sobrevivió alguno a la Segunda Guerra Mundial. Lo último que se sabe es que Mager los donó a un pequeño castillo en Darmstad donde él fundó el für Elektro Akustische Musik de Studiengesellschaft.


El Staccatone (1923)
El Staccatone fue diseñado por el periodista de radio Hugo Gernsback. El Staccatone utilizaba un determinado número de osciladores LC para producir una nota con agudo, ataque, y decaimiento.

JM

CHE ESTO va como critica constructiva.. quizas el thread se tendria que renombrar.. poner algo asi como: Equipos de la musica electronica... o algo asi... aunque supongo que todo esta relacionado... digo porque el thread hasta ahora se centra en los primeros artefactos que producian musica electronica

El Pianorad (1926)
El Pianorad era un desarrollo del Staccatone diseñado otra vez por Gernsback y construido por Clyde Finch en los laboratorios de radio de Nueva York.
El Pianorad tenía 25 osciladores. Cada de los ellos tenía su propio altavoz independiente, montado en un cuerno grande del altavoz encima del teclado y el conjunto entero estaba contenido en una cubierta que se asemejaba a un harmonium. El Pianorad fue presentado el 12 de junio de 1926 en la estación de radio WRNY en New York City; y durante mucho tiempo acompañó conciertos de piano y violín.

JM

1960-1980: Circuitos Integrados

Los circuitos integrados nacieron a principios de los años 60. Robert Moog, Donald Buchla y otros crearon una nueva generación de instrumentos electrónicos de fácil uso, fiables y populares.

ROBERT MOOG

A finales de 1963, a raíz de un encuentro casual con el profesor de música y compositor experimental HerbDeutsch, Robert Moog apartó los Theremins y los amplificadores portátiles de guitarra para aplicar los osciladores electrónicos a un posible uso musical. Su trabajo en casa le llevó a conseguir la unión de varios circuitos, un par de osciladores, sendos amplificadores y un modulador.
Lo revolucionario del diseño de Moog fue su empleo del control de la tensión para variar el tono del oscilador o el volumen del amplificador. Los instrumentos anteriores, como el Theremin, se basaban en condensadores que modificaban el tono de un oscilador, mientras que los teclados previos sólo recurrían a un conjunto de osciladores, uno por cada tecla, fijados de forma permanente a un tono definido.

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JM

Sigue Moog...

El año siguiente, con la colaboración de Herb Deutsch, Moog presentó más circuitos controlados por tensión (incluido un filtro con un agradable carácter chillón) hasta que dio vida al primer Moog modular. Los prototipos de Moog circularon entre los miembros de la comunidad académica musical y, en el otoño de 1964, Moog pudo por fin hacer una demostración del mismo en la Audio Engineering Society. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos, y descubrió que, en apenas tiempo, se encontraba sumergido de lleno en el negocio de la fabricación de sintetizadores modulares.
Las opiniones de muchos clientes se encargaron de forma involuntaria de modelar el desarrollo de los prototipos posteriores, y muy en particular las impresiones de un joven compositor llamado Walter Carlos (más tarde Wendy). Carlos había estudiado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center (hogar del RCA Synthesizer), y estaba decidido a configurarse un impresionante equipo Moog modular. Casi todos los modulares que Moog vendía en los 60 eran para universidades o investigadores reconocidos como John Cage y Vladimir Ussachevsky, así que el sintetizador estaba bastante alejado de las masas. Sin embargo, Carlos tenía otras ideas, y comenzó a grabar con paciencia interpretaciones con sintetizadores de la música clásica de Bach. Desde su difusión en 1968, Switched On Bach se convirtió en un triunfo musical y técnico, ya que se aprovechó de un modo espectacular la suma de la potencia y gama expresiva del Moog Modular. Pero lo más importante es que supuso un enorme éxito mundial que vendió más de un millón de copias y acabó por desplazar al sintetizador de las sombras académicas para ganarse un papel protagonista en la música popular.

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JM

Si, vamos cambiar el título a Historia de los Instrumentos Electrónicos, no se asusten!

Bueno IOJAN, no hay problema.

Ahora abro un thread con la historia de la musica electronica.

Saludos
JM

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Muchos músicos interesados en los sintetizadores se desanimaron ante la realidad de siete u ocho metros cuadrados de armario sólido, repleto de botones conectados por medio kilómetro de cables. La mayoría pidió algo más pequeño para poder transportarlo sin la ayuda de una maquinaria de elevación pesada, y su demanda recibió respuestas desde diversas fuentes. Para empezar, una nueva firma llamada EMS iba a dar a luz el primer sintetizador portátil comercial. Aunque EMS (Electronic Music Studios) se convirtió en empresa en 1969, las personas que trabajaban en ella (Peter Zinovieff y David Cockrell) ya habían colaborado juntos durante toda esa década, como demostraba la producción de equipos para el estudio del primero. Por su parte, Cockrell había diseñado e instalado un enorme sinte/vocoder controlado por ordenador llamado DOB (Digital Oscillator Bank), con otros dispositivos a medida. A finales de los 60 decidieron arriesgarse a producir algunos dispositivos de comercialidad viable.

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JM

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El resultado fue el VCS3. Las siglas se referían a Voltage Controlled Synthesizer, mientras que la cifra describía su número de osciladores. Se trataba de una carcasa de madera con forma de L de unos 45 centímetros de altura, y lo bastante ligero como para que una sola persona pudiera transportarlo, lo que sin duda respondía a los sueños de cualquier intérprete de sintetizador. Para empezar, el VCS3 desarrollaba un concepto modular y utilizaba una matriz de pines en lugar de cables para conectar los diversos circuitos.

JM

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Esto lo hizo muy flexible (razón por la que gustaba a mucha gente), aunque su resultado aún era desalentador (a muchos no les gustaban sus limitaciones). También sufrió el efecto de unos VCO muy inestables, que causaban una pobre estabilidad tonal. Estas carencias motivaban que el VCS3 no aguantara afinado un concierto completo. No obstante, los fallos no disuadieron a un joven Brian Enoa la hora de subirse al escenario con un peinado estrafalario y un VCS3 como instrumento de acompañamiento de Roxy Music, en 1971. Su intención era emplearlo a fondo para dar forma al sonido del grupo. Pese a sus defectos, el VCS3 fue el primer sintetizador portátil, ganando por poco incluso al más famoso y buscado instrumento de la posteridad.

JM

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El MiniMoog apareció en el verano de 1970, y se ha consagrado como el sintetizador más clásico de la historia. Aunque hoy es habitual, su camino de señal previo a la conexión supuso una enorme innovación que permitía al usuario tocar música desde que enchufaba el instrumento. Esto, junto al teclado incorporado, lo convirtieron en el sintetizador con el aspecto más amigable del mercado. Si le añades su famoso sonido cálido, obtendrás la fórmula de un triunfador absoluto. O no... Lejos de recibir las alabanzas que su legendaria condición le reporta en la actualidad, en su momento las tiendas musicales americanas no recibieron con buenos ojos la existencia del MiniMoog.

JM

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No veían un mercado real para ningún sintetizador y durante el primer año de vida del aparato no cambiaron de opinión. Por suerte para Moog (y para el mundo del sintetizador en general), un tal Dave Van Koevering decidió montar su propia empresa para vender unidades de MiniMoog a tiendas musicales poco predispuestas, bajo la premisa de no aceptar nunca una negativa por respuesta. Su mezcla de determinación y astutas técnicas de venta hizo que los comercios del ramo empezaran a llevarse el MiniMoog poco a poco. Ya a finales de 1971 comenzaba a formarse la leyenda que hoy conocemos.

JM

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1980-presente: Digital

La siguiente generación de instrumentos electrónicos fueron los sintetizadores digitales de los años 80. Estos sintetizadores eran de control complejo y se controlaban a partir de un software. Los primeros modelos fueron los Yamaha DX y los sintetizadores de Casio CZ.

JM

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Yamaha

La compañía japonesa Yamaha que también hace muebles, motos, guitarras, bañeras, pianos, esquís, raquetas de tenis y maquinaria de la construcción entre otras cosas, se introdujo en el mercado musical del instrumento en 1900 con la construcción de pianos para el mercado japonés, su primer instrumento electrónico fue el órgano Electone D-1 construido en 1959. Al poco tiempo crearon el sintetizador GX1, el Cs-80, la computadora digital Cx5 y el revolucionario sintetizador digital DX7.

JM

El sintetizador de Yamaha GX1 (1974)

El GX1 fue el primer sintetizador polifónico de Yamaha; aunque fue innovador en su tiempo, el instrumento estaba fuera del alcance económico de la mayoría de los músicos ya que se vendían por ?30,000 en 1976. Yamaha vendió muy pocos modelos.

JM

El Cs-80 Synthesiser (1976)

El Yamaha CS80, sintetizador polifónico, era un desarrollo del modelo GX1, en una gama de precio comprable (?5,000 en 1976), y la competencia directa del Moog Polymoog. El CS80 era un sintetizador polifónico complejo con 16 osciladores, 32 filtros y almacenamiento de memoria.

JM

La Computadora digital de Yamaha CX5

La computadora digital CX5 era un sintetizador digital multi-timbral de FM controlado por un teclado y una UDV. Puesto que el CX5M era totalmente MSX compatible, los procesadores de textos, los juegos y otros programas de computadora de fines generales eran posibles.

JM

El sintetizador DX7

El sintetizador DX7 fue el primero verdaderamente digital y fue lanzado con gran éxito comercial en 1983, vendiendo unas 180.000 unidades. El DX7 utilizó un tipo de modulación de la frecuencia desarrollada por el profesor Juan Chowning en la universidad de Stanford en los años 70. En síntesis de FM los sonidos eran creados por las unidades conocidas como "operadores", que pueden actuar como los moduladores. Cuando está conectado, uno modula el sonido del otro para producir una nuevos echada y tono. El DX7 tiene seis operadores que puedan ser colocados en 32 arreglos ("algoritmos").
El DX7 fue uno de los primeros sintetizadores con un complemento completo de los puertos de MIDI. También tenía un puerto único de la entrada del regulador de la respiración. Este dispositivo permitió al usuario manipular el timbre de los instrumentos usando la presión de la respiración a través de un tubo. El DX7 tiene 16-notas polifónicas, una velocidad de 61, un teclado de aftertouch, 32 de memoria, memoria adicional de cartucho y salida monofónica.

JM

Casio

Casio, la compañía electrónica japonesa, ingresó en el negocio profesional del sintetizador en 1982. Todos sus sintetizadores eran interfaces de programación conducidos por menús digitales. La línea CZ utilizó lo que llamaron "síntesis de distorsión de fase" y estuvo entre los primeros teclados comercialmente disponibles de MIDI.

JM

La gama 1982-1992 de Sintetizadores Casio

Cz-101
49 mini-teclados dominantes, 16 remiendos de la ROM, 16 remiendos del ESPOLÓN. Polifónico, multi-timbral (4part).

Cz-1000
Un Cz-101 con teclas del mismo tamaño.

Cz-5000
Dos CZ-101 con teclas del mismo tamaño y onboard en tiempo real.

JM

Cz-3000
Otros...

El Cz-3000 es el Cz-5000 sin el secuenciador.

Fz-1
Teclado digital del mismo tamaño del muestreo. Muestreo de 16 bit/30k (hasta 2 megabytes). Oversized 64x96 LCD retroiluminado con OS controlado por menú, 3'5 de HD (interfaz opcional) de SCSI, 8 salidas individuales, 16-way multitimbral (solamente 8 notas polifónicas).

Fz-10m
Salidas individuales de los módulos Fz-1. 8 del estante, memoria del estándar de 2 MBYTES.

JM

Fz-20m
Fz-10m + un interfaz del disco duro de SCSI.

Vz-1
Velocidad y aftertouch programables del mismo tamaño del teclado. 16 notas polifónicas. 8 osciladores por nota (128 osciladores total). Multitimbral, aunque no tiene asignación dinámica de la nota. Ningún secuenciador.

Vz-8m
Módulo polifónico del ampliador de 8 notas para las provisiones de VZ-1/10m.

Vz-10m
16 módulo rackmounted de la voz VZ. Secuenciador de varias trayectorias .

SZ1
Secuenciador de pista time/step MIDI, memoria de 3600 notas con un cartucho de datos o un interfaz del cassette.

JM

Dentro de la música electrónica podemos hacer 3 distinciones:

1) La música creada electrónicamente a través de señales de sonido generadas por osciladores ( como puede ser un sintetizador);

2) la recontextualización de sonidos reproducidos por dispositivos electrónicos (como puede ser desde un tornamesa o grabadora hasta un sampler)

3) La música creada en base a herramientas o dispositivos que para su funcionamiento necesitan de energía eléctrica y que por sí solos no son instrumenos musicales ( por ejemplo sirenas, turbinas de avión, taladros , etc..., en esta distinción subrayaría la importancia de la música industrial)

De estas tres distinciones, actualmente estamos viviendo el auge del segundo punto... ?la recontextualización?.

JM

Los nuevos ?músicos? de nuevos géneros musicales (como jungle, Drum n? bass, trip hop...etc) a los ojos de la música tradicional no lo son . Podemos ver a un Tricky (precursor del Trip Hop) afirmando en sus entrevistas que no sabía tocar ni un instrumento, que no sabía cantar, que no sabía de notación musical... y entonces ¿qué hace?.... bueno pues lo que hace es ?recontextualizar?....dicho en otras palabras .... La recontextualización sonora es el arte de dotar de un sentido distinto a un ruido o sonido con el hecho de extraerlo de su origen y colocarlo en otro ambiente.

En los cambios culturales, algunas palabras cambian de sentido y de rumbo.....de la palabra ?músico? podemos extraer 2 nuevas acepciones:

· ?El músico no es sólo el que estudió música o ejecuta algún instrumento musical .... es el que hace sentir a través del sonido?

· ?El ser músico de ahora es el que domina el arte de la recontextualización?

JM

Los instrumentos para la recontextualización sonora han existido desde hace poco más de un siglo, simplemente que no se habían conscientizado como instrumentos musicales... un ejemplo es el fonógrafo, que fue de los primeros ?samplers? sin embargo el Sampler como instrumento musical y comercial surgió a mediados de los 80?s.

Un Sampler es un dispositivo que almacena y graba sonidos de cualquier fuente, y en el cual se les puede manipular o secuenciar ? es la compuerta musical a una nueva estética - la guerrilla cultural de fusilarse sonidos de fuentes sin rastro en la ?datósfera?, algo verdaderamente despreciable para las nociones tradicionales de originalidad en un mundo cada vez más ?disponible??[1] . Ahora en lugar de haber músicos virtuosos en la guitarra o en la batería... no es raro encontrar algún virtuoso en el uso del sampler, un verdadero diseñador y manipulador del sonido.

JM

He vuelto...

Mañana sigo...

JM